Sin embargo, desde que las fueron anunciando esta mañana Tom Sherak, presidente de la academia y la actriz Jennifer Lawrence (Winter’s Bone), y pudimos revisar la lista de nominadas; empezamos a notar las anomalías.

Cuando una categoría tiene diez sitios para nominar y sólo nomina nueve (película), básicamente está diciendo al resto de las competidoras que ninguna merecía estar ahí. Nominar a diez siempre implica que la competencia estuvo dura y muchas podrían haber aparecido.

Son nueve las nominadas pero sólo una ganadora probable. Me refiero a El artista, ese homenaje al cine mudo, que con diez menciones, la mayoría en categorías importantes, se perfila como la favorita por volumen. La invención de Hugo Cabret de Martin Scorsese tiene once menciones, pero ninguna en las categorías de actuación, y eso quita puntos.

Hay dos cintas con seis, Caballo de guerra y El juego de la fortuna (ambas ausentes en dirección), una con cinco, Los descendientes (la ganadora del globo de oro). El resto son Medianoche en París (4) Historias cruzadas (4), El árbol de la vida (3) y la colada Tan fuerte y tan cerca (2).

Sólo Steven Spielberg y John Williams tienen dos nominaciones en la misma categoría. Spielberg en mejor película (coprodujo Caballo de guerra e Historias cruzadas) y Williams, su compositor de cabecera, en banda sonora (Las aventuras de Tin Tin y Caballo de guerra).

En mejor actor aparecen tres primerizos (Bichir, Dujardin y Oldman), enfrentando a los favoritos: Clooney (Los descendientes) y Pitt (El juego de la fortuna). Una categoría donde quedan fuera tres precandidatos fuertes: Michael Fassbender, Ryan Gosling y Leonardo DiCaprio.

Algo similar sucede en mejor actriz donde Rooney Mara (La chica con el dragón tatuado) se lleva el sitio al que aspiraban Charlize Theron y Tilda Swinton. Mara, primeriza, compite ahora con la reina del Oscar Meryl Streep (La dama de hierro es su 17 nominación), Glenn Close (Albert Nobbs su sexta), Viola Davis (Historias cruzadas su segunda) y Michelle Williams (Mi semana con Marilyn su tercera).

Las categorías de soporte siempre han dado cabida a lo inesperado, quizá por ello no sorprenda descubrir a Jonah Hill enfrentado con cuatro veteranos de la actuación (Branagh, Nolte, Plummer y el inefable von Sydow). O a Melissa McCarthy, que suma a su Emmy por Mike & Molly y su Globo de Oro; una nominación por Damas en guerra. Una categoría donde cuatro contendientes son novatas en estas lides: Berénice Bejo (El artista), Jessica Chastain y Octavia Spencer (Historias cruzadas), sólo Janet McTeer (Albert Nobbs) repite (fue nominada en 2000 por Tumbleweeds).

Para mejor dirección, la competencia parecería venir de tres décadas atrás, encabezada por Martin Scorsese (La invención de Hugo Cabret) y Woody Allen (Medianoche en París), pero luego aparecen la revelación Hazanavicius (El artista), el favorito Alexander Payne (Los descendientes) y el inevitable director de “culto” Terrence Malick (El árbol de la vida). La ausencia de cuatro de las nominadas a mejor película incapacita sus posibilidades, nunca ha ganado una película que no fue nominada a dirección.

Hasta las categorías anodinas, como mejor cine animado tuvieron sorpresas. Pensemos en que quedaron fuera Tin Tin y Pixar, y aparece una animación francesa Gato en París de Alain Gagnol y una española Chico y Rita de Fernando Trueba. Una tendencia que se repite en las categorías de cortometrajes.

No es noticia que Wim Wenders aparezca entre los candidatos a mejor documental (ya lo hizo con Buena Vista Social Club), pero sí que lo haga con el primer documental 3D de la historia.

Me pregunto por qué la academia se toma la molestia de tener una categoría de mejor canción si sólo va a nominar dos películas. La posibilidad de ese Oscar es altísima (50%), un volado. Adiós a Madonna, Elton John y las demás estrellas sonoras; bienvenidos Carlinhos Brown y Sergio Mendes (Rio), bienvenido Bret McKenzie (Los Muppets).

Como suele suceder, la categoría de cine en idioma extranjero es una de las más intrigantes. Será porque para votar ahí, los miembros de la Academia están obligados a ver todos los contendientes, pero es una de las competencias más fuertes y este año no se queda atrás. De hecho la cinta iraní que ganó el globo de oro (Una separación), también tuvo una mención como guión original.

Las categorías técnicas tienen las cintas que esperaríamos. Grandes dramas de época en vestuario, ciencia ficción y fantasía en efectos visuales; acción, aventura y suspenso en sonido. Nada novedoso, excepto que la súperproducida Harry Potter apenas tuvo tres menciones, las mismas que Transformers 3.

El interés vuelve a despertarse, sin embargo, cuando llegamos a las competencias de guiones. La de guión adaptado, porque incluye dos de las cintas favoritas (Los descendientes y La invención de Hugo Cabret), enfrentados a la única mención a Traición y Poder de Clooney, el inteligente guión de los efectivos Zaillian y Sorkin para El juego de la fortuna de Michael Lewis, y la adaptación de O’Connor y Straughan de la novela clásica de espías de John Le Carre, Tinker Tailor Soldier Spy que se editó en su momento como El topo.

Más dura es la competencia para guión original, donde Woody Allen y su Medianoche en París va contra cuatro novatos: Hazanavicius por El artista, Kristen Wiig y Annie Mumolo por Damas en guerra, J.C. Chandor por Margin call y el iraní Farhadi por Una separación.

No puedo dejar de mencionar el horror anual que representan las traducciones en los títulos de las películas. En una categoría imaginaria, si La chica con tatuaje de dragón fue cambiada por la chica del dragón tatuado (ahora el tatuado es el dragón); y The help fue sustituido por el trillado Historias cruzadas, Bridesmaids en Damas en guerra; el Oscar al peor título traducido se lo lleva Moneyball que se convirtió en El juego de la fortuna, un título anodino que no sólo le roba el significado original a la palabra inventada por el autor del libro, sino que además cobra muy poco sentido para describir la película.

La entrega del Oscar se celebrará el próximo domingo 26 de febrero a las 18:30 hrs y se transmitirá por TNT

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Para El Economista, arte ideas y gente, del miércoles 25 de enero del 2012

Enlaces de interés

La lista completa de nominaciones en el sitio de la Academia (inclusive algunos trailers)

La lista completa de nominaciones en El Economista (tabla)

Para descargar un formato con todos los nominados de IMDB.com

Road to the Oscars en imdb.com

Hace un año escribía que México no ha tenido nunca mucha suerte en los Oscars, tocaba entonces el turno para la tercera nominación de González Iñárritu por Biutiful, y más que documentar el pesimismo se trataba de analizar las verdaderas posibilidades de que el director se hiciera con la codiciada estatuilla dorada.

Un año después son otros dos mexicanos los que reciben nominaciones. Uno de ellos: Demián Bichir, en una categoría donde hasta ahora nunca había sido reconocido un compatriota: mejor actor. No considero a Anthony Quinn, a pesar de haber nacido en Chihuahua, como “actor mexicano”, aunque en los sesenta nos gustara ponerle la etiqueta nacional. Quinn vivió toda su vida y llevó su carrera en los EEUU donde fue nominado a cuatro Oscars y ganó dos.

Bichir es nominado por A better life (Una mejor vida), la historia de Carlos Galindo, un inmigrante ilegal que trabaja como jardinero en el este de Los Angeles y sólo busca lo mejor para su familia. Paradoja que en un momento en que la agenda bilateral entre México y EEUU parece haber dejado el tema migratorio en uno de sus sitios más fríos; mientras en los debates republicanos a la presidencia se discute si se debe reforzar el muro fronterizo o ampliar los alcances de las leyes racistas como la lanzada en Arizona en 2010; sea Hollywood el que regrese el tema al escaparate público y lo haga desde su ángulo más relevante: el humano.

Es la única nominación para A better life, lo que dice mucho sobre el trabajo de Bichir (también nominado por el gremio de actores de Hollywood, el National Board of Review, la Sociedad de críticos de Phoenix y los premios latinos: ALMA).

Bichir apenas declaró a Entertainment Weekly que dedica su nominación a los once millones de migrantes mexicanos “que hacen nuestras vidas en EEUU más fáciles y mejores.”

La cinta fue dirigida Chris Weitz, un director irrelevante, responsable de Luna Nueva, la segunda cinta basada en las novelas de Stephanie Meyer, pero también de las medianamente interesantes About a boy y American Pie.

Desde su debut en Rojo Amanecer, Bichir ha tenido una reconocida carrera en el cine y la televisión. Telenovelas, y varias películas en los años noventa, como Santitos, Todo el poder, Sexo Pudor y Lágrimas, y apenas un puñado en la primera década del siglo. Por lo menos hasta 2008 en que emigra a los EEUU y consigue el papel de Esteban Reyes en la aclamada serie de Showtime, Weeds (la historia de una madre suburbana que florece como distribuidora de mariguana). Año positivo para Bichir en que aterriza el papel de Fidel Castro en Che, el argentino de Steve Soderbergh, justo antes de volver a México para Hidalgo: la historia jamás contada.

Su próximo proyecto es un rol secundario en la cinta Savages de Oliver Stone, basada en la novela de Don Winslow sobre dos cultivadores de mariguana que se enfrentan a un cártel mexicano (se vale suspirar).

El triunfo de Bichir en esta disputada categoría es casi imposible (va contra el favorito George Clooney por Los descendientes y Brad Pitt por Juego de la fortuna), pero sin duda será un punto de inflexión en su carrera que posiblemente le dé papeles más allá de los lugares comunes que Hollywood le tiene destinados en estos días a los mexicanos (¿Una pista? piensen en la mariguana y el narco).

Emmanuel Lubezki, por otra parte, no es ningún novato en la Academia de Hollywood. Suma su quinta nominación por su extraordinario trabajo en El árbol de la vida, segunda colaboración (segunda nominación) con el también nominado director de culto: Terrence Malick.

Su participación fue nominada también por el gremio de cinematógrafos estadounidenses; además de ganar los premios respectivos de las asociaciones de críticos de Austin, Dallas, Florida, Los Angeles, Chicago, Boston, San Diego, San Francisco, Washington, la Sociedad Nacional de Críticos, la de críticos online, críticos del sureste, y los críticos de la televisión estadounidense.

El nacido en 1964 ya había sido nominado en 1995 por La princesita de Alfonso Cuarón, La leyenda del jinete sin cabeza de Tim Burton (1999), El nuevo mundo de Malick (2005), y la magnífica Hijos de los hombres, también de Cuarón en 2006.

Desde su debut en Bandidos de Luis Estrada, y la más conocida Sólo con tu pareja, Lubezki se convirtió en un nombre que difícilmente se nos olvidaría. Su talento cruzó la frontera para La dura realidad de Ben Stiller, justo antes de recibir su primera nominación por La princesita. Cinematógrafo de cabecera de Cuarón y Malick, Lubezki ha trabajado también con los hermanos Coen (Quémese antes de leer), Michael Mann (Ali), Mike Nichols (La jaula de las locas) y varios directores más. Su dos siguientes cintas son Gravity, precisamente de Cuarón (en postproducción) y lo que se conoce hasta ahora como Futuro proyecto sin título de Terrence Malick.

De los dos mexicanos nominados es Lubezki quien tiene más probabilidades de adornar su chimenea este año con un Oscar, favorito, sin duda, en su categoría.

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Para El Economista, arte ideas y gente, del miércoles 25 de enero del 2012

Quién podía anticipar que en una película producida en el cine de hoy, tan constreñido por cuestiones comerciales y presupuestales, cabría la historia del universo, de nuestro sistema solar y las preguntas añejas sobre la vida después de la muerte, la felicidad y el dolor humano; todas reducidas al microcosmos de una familia texana durante un verano. Brad Pitt y Jessica Chastain son ambos lados del espectro paternal, pero el resto es el tiempo de la infancia. Evocativa, conmovedora, y sacando provecho de la inefable capacidad de Malick para contar una historia y detrás de ella decir mil cosas más.

2. Miss Bala de Gerardo Naranjo

Laura (Stephanie Sigman), una chica de origen humilde, aspira a un concurso de belleza local, asiste con su amiga a un antro y el mundo se le viene encima. Bueno, no el mundo, se le viene encima México del 2011, en su particular versión fronteriza. Con extraordinaria solvencia Naranjo captura el zeitgeist de la violencia, el narco, la política y el desgraciado papel que le queda a los demás, ciudadanos colaterales, apenas capaces de reaccionar como canicas en un pinball perverso. Igualmente inteligente y perturbadora.

3. Winter’s bone (Invierno profundo) de Debra Granik

La cinta se monta, como True Grit sobre los hombros de su joven protagonista Ree (Jennifer Lawrence: extraordinaria) quien debe sacar adelante a sus hermanitos en la peor pobreza imaginable. Todo, mientras intenta averiguar qué diablos pasó con su padre entre clanes de oscuros pactos, odios ancestrales y venganzas juradas. Terrorífica y heroica. Una de esas cintas que se cuelan desde Sundance para sacudirnos en lo más hondo.

4. Un prophète (El profeta) de Jacques Audiard

Se ha elaborado mucho sobre el papel formativo (o deformativo) de las prisiones. Nunca más que en esta antihistoria de formación del genial Audiard. Malik, un joven árabe  (Tahar Rahim: impresionante), entra a la cárcel francesa por agresión y pronto se ve reclutado (a la fuerza) por la mafia corsa. Lo que sigue es su propio crecimiento como persona, como hombre y como criminal. Audiard va lejos, explorando el doble filo su maduración en los oscuros abismos detrás de la doble moral francesa y la lealtad del mundo del crimen. El final es de absoluto delirio.

5. True Grit (Temple de acero) de Joel y Ethan Coen

Los Coen construyen un western metafísico muy en su estilo, cuando una jovencita (Hailee Steinfeld: luminosa) contrata a un matón (Jeff Bridges) para vengarse de los asesinos de su padre. La cinta oscila entre el humor renegrido y la épica y nos conmueve. Steinfeld, a pesar de su corta edad, tiene la capacidad de matizar el dolor, la ilusión, la inocencia y la inteligencia como motor de su resolución de justicia. Por cierto, uno de los mejores trabajos de uno de los genios de la cinematografía moderna: Roger Deakins.

6. The King’s Speech (El discurso del Rey) de Tom Hooper

Aunque la deplorable ceremonia del Oscar nos arruinó el final, la cinta de Hooper es mucho más que esas palabras recitadas por el rey (Colin Firth) frente al micrófono a una nación al borde de la guerra. Hooper refleja con elegancia las sutiles emociones que transitan detrás de los ojos de sus personajes, así como la aciaga vigencia que cobra el peso de la monarquía en los hombros de un hombre y una nación. Pero la cinta es tanto del rey, como del conmovedor maestro/médico que lo busca curar (Geoffrey Rush en el papel de su carrera). Y esos son sólo algunos de los enormes aciertos de esta magnífica cinta llena de detalles que sólo se aprecian en una segunda visita.

7. Presunto Culpable de Roberto Hernández y Geoffrey Smith

La película más comentada del año nace de una auténtica polémica y conflicto de derechos. Un documental que abarrota las salas de nuestro país ya es noticia, pero uno que desenmascara el podrido sistema judicial del país, lo es más. Hernández y Smith se toman sus licencias con la secuencia narrativa y aderezan la emoción detrás de algunos momentos, pero también son capaces de construir el mejor thriller del año a partir de la complejidad obtusa de un expediente judicial. Una lección que indigna y nos convierte, aunque sea un poco, a una causa indispensable para quienes pretendemos vivir un rato más en este país.

8. Somewhere de Sophia Coppola

Pocas veces se consigue retratar la soledad absoluta del ser humano como lo hace Coppola con este actor hospedado en un lujoso hotel angelino. Es hasta más de media cinta en que caemos en cuenta que se trata de una de las mayores súperestrellas del cine de su tiempo, un indolente autómata de la fama, que empieza a descubrir sus emociones y humanidad cuando se ve obligado a convivir con su hija unos días. La Coppola que ya ha mostrado su talento para explorar la psique de la soledad (Lost in translation es un monumento), acierta de nuevo, si acaso para recordarnos que detrás de todo el oropel del mundo, también habitan seres humanos.

9. Gigante de Adrián Biniez

Un guardia de seguridad de un supermercado (Horacio Camandule) se enamora de la chica que trapea los pasillos (Leonor Svarcas). La espía a través de las cámaras del sistema de seguridad, la sigue en las calles. No es el maniático asesino que nos ha enseñado a esperar la televisión estadounidense, sino un tímido y buen hombre encerrado en la rutina, que ha descubierto la luz en la ilusión de algo más. Pausada y deliciosamente simple.

10. Inside Job (Trabajo confidencial) de Charles Ferguson

Si el gobierno secreto que gobierna los destinos del mundo está en Wall Street, no fue capaz de detener el micrófono o la cámara de Ferguson para desenmascararlo. El director empieza explorando quién tuvo la culpa de la crisis mundial reciente, y termina apuntando el dedo a más de la mitad de los personajes que ocupan el gobierno del “cambio” estadounidense. Brutal e impactante, un documental que apenas nos deja respirar. Después de Inside job, no veremos el mundo, ni los encabezados (financieros o no) con los mismos ojos.

11. La nana de Sebastián Silva

Esta cinta chilena explora los complejos entresijos morales y sentimentales entre una familia y su servidumbre, y lo hace sin sensiblerías ni ánimo de denuncia social. Al contrario, se vale del sentido del humor, y de su formidable actriz, Catalina Saavedra, para proyectar a Raquel como una mujer hosca, afectuosa y profundamente desconfiada ante cualquier cambio que ponga en entredicho su jerarquía doméstica. Por momentos invisible, por otros indispensable, Raquel es la chacha, que podría habitar cualquier hogar de latinoamericano. Silva mira con humor y honestidad dentro del cuarto de servicio y descubre un panorama de lealtad, amor, resentimiento y dolor.

12. The American (Ocaso de un asesino) de Anton Corbijn

La decadencia del asesino profesional y su inevitable soledad, han sido bien retratadas en una docena de películas. Lo que destaca de esta europea y elegante rendición de Corbijn, es su juego con nuestras expectativas, desde la desconcertante violencia y crueldad del carismático Clooney, hasta la posibilidad de construir distintos subtextos, un complot detrás de otro, que no nos dejan ver más que lo aparente hasta que es demasiado tarde.

Menciones especiales:

12. X-Men First Class de Matthew Vaughn, 13. Limitless (Sin límites) de Neil Burger, 14. The Town (Atracción peligrosa) de Ben Affleck 15. Hereafter (Más allá de la vida) de Clint Eastwood, 16. Black Swan (Cisne negro) de Daren Aronofsky, 17. The fighter (El peleador) de David O’Russell, 18. Super 8 de J.J. Abrams, 19. Unstoppable (Imparable) de Tony Scott 20. The adjustment bureau (Los agentes del destino) de George Nolfi.

Decepciones (pero también…qué esperaba)

1. The expendables (Los indestructibles) de Sylvester Stallone

En los ochenta hubiera sido el sueño húmedo de cualquier macho cinéfilo: Stallone, Willis, Jet Li, Statham, Rourke, Couture, Lundgren, Schwarzenegger, todos, vamos toda la testosterona de Hollywood en la “última” cinta de acción. Hoy, fuera de un par de gags simpáticos, es un plomo de dos horas lleno de explosiones, moralinas baratas y más canas que neuronas.

2. Green Lantern (Linterna verde) de Martin Campbell

A veces los cómics más épicos quedan desnudados en la pantalla como en una autopsia cruel. De Campbell, que ya había ofrecido el mejor Bond (Casino Royale), se esperaba una adaptación competente de uno de los cómics reverenciados de DC. Pero el director y su elenco se ahogaron sin remedio en una explosión de efectos especiales y sentimentalismo reciclado. A lo mejor por eso pensaron que la audiencia necesitaba un flashback un minuto después de ver la escena. ¿Qué pasó? Ah, sí cierto, se murió su papá.

3. The invention of lying (La mentira original) de Ricky Gervais y Matthew Robinson

Una cinta sin futuro que quiso llevar hasta el extremo la lógica de un mundo inverso donde todos dicen la verdad (siempre). La premisa daba para reír quince minutos, después necesitaba contar algo, y ni la simpatía natural de Gervais salva un guión ñoño y mediocre lleno de todos los clichés imaginables incluida una insoportable cursilería.

4. Machete de Robert Rodríguez

El truco de valerse del cine basura para construir arte es la esencia del cine de Tarantino y de su wannabe partner Rodríguez. Funcionó en el duelo Grindhouse, particularmente en su Planet Terror, pero ahora, al convertir en largometraje el gimmick de un trailer de broma, el resultado es grotesco y casi repulsivo. Nos podremos reír un poco, pero el resto del tiempo estaremos preocupados por lo que va a pasar con nuestro espíritu.

5. Repo Men (Los recuperadores) de Miguel Sapochnik

Una basura insustancial, violenta y sin sentido sobre un futuro donde la cobranza llega a embargar nuestras entrañas (literalmente). Sólo sirve para recordarnos que esa llamada del banco en nuestra contestadora no es el peor escenario posible.

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Para El Economista, arte, ideas y gente del miércoles 18 de enero del 2012

La televisión también se toma un respiro, repitiendo las series como si los espectadores que no han seguido sus estrenos estuvieran justo esperando esta semana vacacional para darles la oportunidad, y esperando de los fans horas de asiento resignadas, como si no tuvieran un control remoto en la mano.

En cualquier caso, si esa era la intención, nada más perfecto que darle una oportunidad a las tres series más interesantes en el aire: Revenge (Sony), Grimm (Universal), y The Walking Dead (Fox). Tres motivos oscuros y quizá poco navideños, pero igualmente satisfactorios por contraste. La primera, es una luminosa versión de Montecristo en Los Hamptons (o sea la historia de una chica con dinero, imaginación y ganas de vengarse de una lista de viejos conocidos). La segunda un viaje oscuro y delicioso a los cuentos de hadas como una suerte de perfil psicológico de una realidad paralela de horror. Y la tercera: repitiendo los primeros ocho capítulos de la segunda temporada de sobrevivientes del holocausto zombie, después del maravilloso y escalofriante midseason finale de hace dos semanas.

Es poco probable que dediquemos las noches a mirar los noticieros para enterarnos qué tan graves están las protestas en Egipto, o cuál es la temperatura más baja que alcanzará la sierra de Durango en las próximas horas. Hora para la clásica pieza periodística sobre los preparativos vacacionales para la Autopista del Sol, y la posibilidad de que se convierta en galería de tiro (con bellas imágenes de autos pasando por la primera caseta rumbo a Cuernavaca); y los riesgos ambientales cuando el aire frío sopla sobre el Valle de México (imágenes de archivo de gente enchamarrada cruzando la calle en el primer cuadro de la ciudad).

Las horas de ocio se pueden aprovechar mejor leyendo alguna novela de Krauze, especialmente la antítesis del libro que dice las mentiras sobre el libro, esa joya de la literatura nacional que muchos exigen a su librero de confianza en estos días. Si no lo consiguen, es el momento perfecto para sumergirse (sin miedo) en las ochocientas páginas de Juego de Tronos de George R.R. Martin, por fin editado en México. Es el inicio de su brillante saga fantástica, tan bien llevada por HBO a la pantalla chica este año, y que es capaz de poner a leer a países que no leen. Martin acaba de ser nombrado el segundo autor más popular del 2011, y eso podría no ser suficiente para algunos, pero ellos suelen no necesitar que les recomienden libros.

Otras novedades que vale la pena leer (o regalar): El descubrimiento de las brujas de Deborah Harkness, 11/22/63 de Stephen King (o en su defecto Todo oscuro sin estrellas), Laguna de Bárbara Kingsolver, Las Alas del dinosaurio de Sissel-Jo Gazan, Norte de Edmundo Paz Soldán, No abras los ojos de Verdon, y hasta alguno de los divertidos Diarios de Greg.

Los que no hacen filas en tiendas, ni leen, ni se sientan frente al televisor, esos casi ninis del ocio, a lo mejor esperan pacientemente la llegada (siempre tardía) de la temporada invernal de cine, (léase la temporada de premios) donde se deberían de estrenar algunas de las cintas nominadas en los próximos Globos de Oro (como The Artist, Tenemos que hablar de Kevin, Melancolía, Tinker Tailor Soldier Spy, The Descendants).

Se frotan las manos esperando la brutal versión de Fincher de Los hombres que no amaban a las mujeres, o la nueva Misión Imposible a cargo del director de Los increíbles; el tardío estreno de En un mundo mejor, o de perdida la anticipadamente decepcionante (no lo digo yo, sino la crítica): Las aventuras de Tin Tin en 3D.

Lamentablemente, lo más probable es que nos encontremos con muchas salas de Alvin y las ardillas 3; el churro acaramelado de temporada: Año nuevo; el Gato con Botas 3D de Banderas; lo que pretenden vendernos como Sherlock Holmes con anfetaminas; y esa cosa infumable que se llama Jack y Jill. No perdamos la esperanza, después de todo es navidad.

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1. Fargo (Fargo) 1996 Hay veces en que todos los ingredientes, en que el humor negro, el cinismo, lo patético y lo ridículo se combinan en las cantidades justas y trascienden más que la suma de sus partes. Así nacen los clásicos, nada perecedero, uno de los mejores anti-héroes de la historia del cine, el Jerry Lundergard de William H. Macy; y la entrañable policía embarazada que le valió el Oscar a Frances McDormand. Fargo aparece unos segundos y después de queda para habitar un territorio místico, congelado, macabro, inolvidable en cada detalle. 

2. The Big Lebowski (El gran Lebowski) 1998 The Dude, se ha vuelto con los años, uno de los personajes legendarios de Hollywood. The Big Lebowski es la cinta de los Coen que mejores momentos suma, aunque el conjunto no es tan redondo como Fargo. No me canso de ver a sus terroristas nihilistas, los compañeros de boliche, el mejor funeral de la historia y los sueños/pesadillas del Dude.

3. Barton Fink (Barton Fink) 1991 Los sufrimientos del dramaturgo encarnado por John Turturro para vender su alma a Hollywood, se conjugan con un despiadado hotel, emulo y casi peor que el Overlook, y una atmósfera sofocante y absurda. 

4. True Grit (Temple de Acero) 2010 Una cosa que los Coen hacen excepcionalmente bien, es encontrar la voz de sus protagonistas femeninas. Aunque Marge en Fargo puede ser su personaje femenino más logrado, la niña que funciona como eje y narradora de este western es su más entrañable, y esta cinta consigue, a pesar de una trama simplona, hipnotizar y conmover.

5. O Brother, Where Art Thou? (Dónde estás hermano?) 2000 La mejor banda sonora de los Coen se suma con su más aventurada adaptación: La Odisea de Homero en el viejo sur. George Clooney hace un improbable Odiseo, con una canción de éxito. De las sirenas a Penélope, es tan inteligente como desternillante. 

6. The Man Who Wasn’t There (El hombre que nunca estuvo) 2001 Uno de los sellos del cine de los Coen lo aporta Roger Deakins, y este (junto a True Grit) son sus mejores trabajos. Un pequeño poblado, ovnis, un misterio de corte policíaco, y Billy Bob en la cima de sus 15 minutos.

7. Blood Simple (Simplemente sangre) 1984 Suele decirse que la primera probada es la mejor, y puede ser verdad para los que vieron la ópera prima de los Coen primero. Para los demás es un gran trabajo, pero su mayor valor está las semillas que podemos identificar de su obra posterior. No obstante ello, es una cinta noir con sabor western, casi perfecta.

8. The Hudsucker Proxy (El apoderado de Hudsucker) 1994 Su parabola del capitalismo, su guiño a Kane y al sueño americano, nunca más fresco que en Tim Robbins viendo girar su hula-bop. Al volver a verla nos encontramos, como en Blood Simple, con ejercicios de estilo más logrados en otras de sus cintas, y aún así, el conjunto funciona.

9. A Serious Man (Un hombre serio) 2009 – Quizá la película más judía, y más rara, en una filmografía por demás poco convencional. Su humor negrísimo, sin concesiones, ni un ápice de compasión por sus personajes, la ponen, junto a las historias de formación y las familias suburbanas, en categoría aparte.

10. Miller’s Crossing (De paseo a la muerte) 1990 – En los años en que cada película de los Coen era la revisión de un género, esta visita a la historia de gángsters combinada con tragedia shakespeareana es memorable, si acaso por un par de secuencias, la mejor de las cuales transcurre en el bosque.

11. No Country for Old Men (Sin lugar para los débiles) 2007 Su consagración oficial fue en esta, la adaptación fiel de una novela de Cormack McCarthy, y es tan fiel que sufre del mismo problema en la solución. Por lo demás, el equilibro sonoro de silencios absolutos y el pasmo que provoca cada entrada a cuadro de Bardem, bien valen la película.

12. Burn after reading (Quémese después de leerse) 2008 Espías, Brad Pitt del hombre más estúpido del mundo y Clooney de depravado sexual, Malkovich como un John LeCarre de pacotilla. Burla descarada y casi histérica del espionaje o lo que queda de él después de la guerra fría, y de esta vacilada genial.

13. The Ladykillers (El quinteto de la muerte) 2004 Suele ser la más odiada por los críticos, quizá por ser un remake de una cinta clásica, quizá por su tono de comedia tan directo. En cualquier caso, Tom Hanks es una delicia.

14. Raising Arizona (Educando Arizona) 1987 Lo siento, nunca me gustó demasiado. Uno de sus problemas es Nicholas Cage en uno de los protagónicos, el otro Holly Hunter. Bien puede ser un road movie adelantado a su tiempo, pero aún así…

15. Intolerable Cruelty (El amor cuesta caro) 2003 – Es la única de sus películas que me resulta insoportable. Un anti-romance cínico, Clooney y la Zeta-Jones, nunca termina de funcionar. Una sola escena memorable, por cierto, directa en la frente.

Hace algunos años, el psicólogo social Barry Schwartz reflexionó en su libro La paradoja de la elección: por qué menos es más, sobre ese dilema de la sociedad moderna: enfrentado el individuo con demasiadas opciones, se paraliza. Si se topa en el supermercado con que debe elegir entre cincuenta tipos de mayonesa, por ejemplo, la mayoría tenderá a irse sin comprar.

Su libro, por supuesto, va muchos más allá de esta simplificación, que si acaso tomo prestada para ilustrar uno de los cambios más radicales en la cultura mediática en la última generación. Empecemos por la televisión.

Hemos pasado de una generación que veía lo que hay, a una generación, que puede ver lo que quiere ver. De un modelo con un puñado de canales y un cambiador manual que nos obligaba a levantarnos del sillón; a un segundo con cientos de canales, un control remoto para zapear nuestra incapacidad para elegir, y finalmente a un tercero donde mediante un DVR podemos grabar lo que nos interesa y disfrutarlo cuando podamos.

Lo curioso del caso es que los medios parecen no haberse dado cuenta de este cambio. Piensan que la gente sigue viendo lo que hay, y en base a eso establecen su programación, conceptos, y pautas publicitarias.

Hay mucho más al aire de lo que somos capaces de ver. La programación de uno de los paquetes básicos de Sky en un sólo día, suma más de 3,000 horas, y si quisiéramos verla toda, para romper un absurdo récord Guiness nos tomaría más de 100 días.

Pero no sólo consumimos televisión. Sumemos la radio, los periódicos y revistas, los demasiados libros que se editan y han editado, las redes sociales y el resto de contenido online, la música, y el cine, incluyendo todo su acervo histórico disponible en DVD o internet.

¿Quién tiene tiempo?

Kevin Kelly reflexiona en su blog The Technium sobre la Paradoja de la Satisfacción. Nos pregunta qué pasaría si viviéramos en un mundo donde todo lo que te rodea fuera lo que quisieras y hubiera mucho. ¿Cómo seríamos capaces de elegir?

Para Kelly, conforme se vayan refinando los filtros, recomendaciones y elecciones que hacemos en internet, será cada vez más posible que a través del conocimiento sumado de nuestros hábitos de consumo, compras, valoraciones, y me gusta marcados; y los que aportan para y sobre nosotros: amigos, colegas y familiares; será cada vez más posible obtener una lista infalible de todo lo que nos va gustar. La crema de la crema.

Argumenta Kelly: Si lo que es perfecto para nosotros es uno en un millón de productos ofrecidos, y el planeta tiene seis mil millones de adultos que hicieran sólo una creación al año en cualquiera de los campos mencionados; tendríamos 18 opciones perfectas para nosotros por día. Y no seríamos capaces de consumirlas (o de soportarlo).

Si todo es perfecto, y da lo mismo lo que veamos, leamos o escuchemos, para qué elegir: no importa.¿Qué verías, leerías, escucharías a continuación?

La paradoja, explica, es que no poder elegir puede resultar poco satisfactorio. Necesitamos hacer elecciones para continuar satisfechos. Incluso si ellas nos llevan a experiencias poco satisfactorias. Segunda paradoja: la satisfacción última puede ser insatisfactoria.

Aunque falta mucho para que todos los adultos compartan sus creaciones artísticas a escala global, es posible ver la abundancia de alternativas que tenemos hoy en día. Una vez filtrado lo que nos alcanza la vida para ver, oír o leer, ¿qué hacemos con todo lo bueno que sobra?

Para Kelly, el futuro nos depara servicios de suscripción online, donde pagaremos a sitios como Amazon una renta mensual y tendremos acceso, por ejemplo, a todos los libros del mundo por una tarifa fija. Ya no pagaremos por trabajos individuales.

En lugar de ello le pagaremos a Amazon, Facebook, iTunes, Google, o quien surja la próxima semana, para que sugiera a qué le debemos poner atención. Estas tiendas mediáticas del futuro no nos venderán productos, sino sus recomendaciones, y esas recomendaciones costarán más que los propios productos, porque son más valiosas, particularmente si hay más opciones que vida.

Para Kelly, la nueva escasez no es de productos creativos sino de satisfacción, y debido a la paradoja, aún teniendo acceso a lo que nos debería satisfacer, la gente nunca estará satisfecha.

Mientras llegamos a ese escenario no tan utópico, nuestros medios de comunicación necesitan hacer un alto en el camino y reflexionar cómo van a invitarnos, seducirnos, persuadirnos de que su contenido vale la pena y debemos dedicar nuestro poco y precioso tiempo, esas horas perdidas, a verlos a ellos en lugar de otras miles opciones disponibles.

Si fueran capaces de entender que no tenemos que verlos ¿Cuál sería su programación, su cobertura informativa, su estrategia frente a la violencia, su línea editorial, su publicidad?

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Para El Economista – Arte, ideas y gente del miércoles 6 de abril del 2011

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El que a hierro mata…

Sería imposible negar que existe cierta belleza poética, o por lo menos una ironía deliciosa, en que la película que llegó para denunciar los malos manejos del poder judicial, se vea ahora envuelta en su propia maraña legal: expediente gordo, declaraciones cruzadas, y calificadas determinaciones de una juez, que si consideramos el tema de la denuncia es también parte. Cuestión de karma, dirían algunos; o como suelen repetir los abogados gringos imaginados por John Grisham: hasta Presunto culpable tendrá su día en la corte.

Censura

Dice el cuento que cuando Pedro, el pastorcito, llegó por segunda vez al pueblo gritando que venía el lobo, la gente se arremolinó, un poquito irritada, a su alrededor, pero todavía dispuesta a defender el rebaño del depredador. Viendo que se la creían de nuevo, Pedrito celebró la broma a carcajadas.

La primera reacción cuando se habló del retiro de Presunto Culpable de la exhibición comercial, sin importar que la medida se hubiera etiquetado provisional, fue gritar ¡Censura!

No importa si la emoción no está sustentada con un razonamiento profundo. No importa si la suspensión fue provocada por una denuncia legítima o ilegítima. Lo importante es que se silenció una voz que denunciaba, y que denunciaba algo muy serio. Algo que la mayoría de los mexicanos sabe que está muy mal.

El lunes por la tarde, al investigar si los cines queretanos habían acatado el mandato de RTC, recibí la siguiente respuesta: dice la chica de la taquilla que la “censuraron” a las tres y media.

Estamos tan acostumbrados a gritar ¡Censura! que no nos detenemos a preguntar quién censura, por qué lo haría, y si realmente se trata de un fenómeno que amerite avisar a todo el poblado para que se arremoline, dispuesto a todo, para proteger el rebaño de la bestia feroz (el apellido de la jueza resulta apropiadísimo para la analogía: Lobo).

La ley

Es un reclamo legítimo, argumentan los mesurados. Es publicidad gratis, dicen los cínicos. Es un atropello, declaran los comprometidos. Si la película viola la ley, que la juzguen, rematan los amantes del “estado de derecho”.

Lo cierto es que la jueza Lobo está muy convencida de que está dentro de sus facultades ordenar a la Secretaría de Gobernación que suspenda la exhibición de una película en todo el país. Y que los funcionarios de esta última, en su modalidad RTC, por más gallitos que sonaran en sus declaraciones el jueves pasado; cuando llegó el momento de escuchar “salta”; respondieron “¿qué tan alto?”

Lo más preocupante de todo el caso, no es que un individuo sea capaz, mediante argucias legales de paralizar la exhibición de una película que ya tenía permiso de RTC. De sacar a la gente de las salas, con boleto comprado y palomitas en la boca. De señalar que se prohibe no sólo su exhibición sino su promoción, difusión, y por qué no (de una vez) hasta hablar de ella. Cuidado con que alguien tuitée la imagen del interfecto demandante.

Lo más preocupante, decía, es que todavía se tenga que pedir permiso a RTC para que le dé el visto bueno a tu película antes de poder distribuirla en cines. Que ese trámite atávico, de la peor época de priísmo autoritario, permanezca detrás del horizonte, esperando la vuelta del tricolor a Los Pinos.

Se explica que RTC ya no da tanto el banderazo, que sólo apunta la opinión de sus agudos censores respecto a la clasificación que merece la película: si es C o B o A. En cualquier caso, poco importa si es lo uno o lo otro, al final ese permiso puede ser retirado (siempre no, seño, lo sentimos mucho), en lugar de que que quien esté descontento con lo expuesto sea obligado a proceder por la vía civil contra los autores y distribuidores, sea por las razones que le den la gana.

Razones

Mucho se ha especulado sobre los motivos que llevaron al ahora presunto víctima de la película a presentar una denuncia por uso indebido de su imagen en la pantalla.

Al margen sobre las consideraciones que llevan a definir si los juzgados son área pública o privada, y por lo tanto a determinar si el susodicho es o no dueño de su propia imagen (con las esperables dimensiones filosóficas de cualquier respuesta), se suelen atribuir otras intenciones a la acción legal.

1. Una tajada. El sujeto quiere recibir una tajada de las millonarias sumas que recuentan las secciones de espectáculos.

2. Vergüenza insoportable. Cansado de ser el hazmereír en la escuela, el joven recurre a un despacho de abogados para dejar de ser famoso: o sea el primer villano de la película. Por más inverosímil, esta es la razón que esgrimieron los demandantes del retiro de la película.

3. La conspiración. Lo que esos abogados proAMLO buscan es que la jueza obligue a RTC a retirar la película y entonces se acuse de censura al gobierno federal.

4. Lavandería. La jueza, disgustada por la denuncia que hace la película, decide lavar la ropa sucia en casa y barrer el celuloide bajo el tapete. Antes de afirmar esta opción habría que ver si el gremio de jueces le manda una taza grabada con el mensaje “a la mejor amiga”.

Para amparo, amparo y medio…

Vivimos en tal estado de derecho, que nadie tiene clara cual es la ley. Ni Cinepolis que retira la película a reserva de inconformarse y jura (a la Arnold) que volverá. Ni RTC que pide explicaciones a la juez y luego la obedece a pies juntillas. Ni los cines que obedecen la instrucción, sin tener claro si (a) la juez tiene la facultad de prohibir lo que le dé la gana. (b) Si RTC tiene la factultad de retirar un permiso o una película cuando le dé la gana. (c) Si hay sanción que importe para quien le dé la gana no hacerles caso.

Después de escuchar a una docena de expertos abogados, nos queda claro que no hay nada claro, y que para no errarle es mejor hacerle caso a la jueza, y luego buscar cada quién su amparo correspondiente.

Es muy similar a lo que sucede en la guerra de telecomunicaciones que tiene enfrentada a la selección Telcel/Telmex contra el resto del mundo.

El Secretario de Comunicaciones y Transportes arguye en Fórmula Financiera que su dependencia ha gestionado todas las disposiciones pertinentes para atender los reclamos y necesidades del ramo; pero ninguna puede entrar en vigor porque las empresas interponen sus respectivos amparos, y mientras no se desahoguen…

Aunque duela: sus verdades

Después de días de aplauso unánime de algunos, y mesurado de otros. Surge la primera crítica seria a Presunto culpable en Letras Libres online. Su argumento más sólido es que la película debió ser sobre la verdadera víctima: o sea el muerto en el homicidio de que culparon al presunto culpable. Señor crítico, si la película hubiera sido así, se llamaría presunto cadáver, y podría hablar de muchos otros temas, y no del terrible juicio al joven que fue endosado con el crimen.

A algunos detractores les basta apuntar que la película no es lo suficientemente objetiva. Que quisieran escuchar otras voces y versiones, las declaraciones completas, etc. Señores: la película puede poner en tela de juicio los entretelones del poder judicial mexicano, pero no puede suplantar el juicio mismo. Sabemos que algunos medios han adoptado el juicio mediático como una alternativa a algunos procedimientos legales, pero de ahí al juicio cinematográfico.

El género documental, como cualquier tipo de cine, también cuenta una historia, o sea una versión de los hechos, la que quiere narrar el director, sea parcial, incorrecta o hasta francamente manipuladora (recordemos Fraude de Mandoki). Nadie dijo que los documentales debían ser “objetivos”, ni siquiera National Geographic.

Digan lo que quieran sobre sus asegunes, si algo queda claro, es que Presunto culpable puso los reflectores (y las cámaras) en el lugar correcto. Si ahora se empieza a hablar de la gran reforma judicial necesaria, se habrá dado un paso indispensable no sólo para una justicia más digna para los mexicanos (y franceses) en el territorio, sino para las empresas de telecomunicaciones, sus clientes cautivos, los espectadores de cine y hasta alguno que otro cantante.

Para El Economista – Arte, ideas y gente – miércoles 9 de marzo del 2011

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Cada año, la noche de la entrega del Oscar es un desfile de vestidos fastuosos, discursos a veces divertidos, a veces eternos; clips de películas más exitosas que las nominadas, y chistes a costa del público y los nerviosos nominados. Es un evento que la academia de Hollywood viene realizando desde hace ochenta y tres años, y en algún momento se podría haber dicho que lo tenían dominado.

El problema es que cada año tiene menos audiencia (este año solito bajó 12% con respecto a 2010), y aunque aún califica entre la televisión más vista (digamos como un juego de postemporada de futbol americano), el comité de gobernadores de la academia ve esa disminución como un signo de su propia decadencia. Y lo es.

¿A quién le importa si una película gana un Oscar? Solía ser un incentivo para espectadores que atestaban las salas una vez que la ganadora de tal o cual categoría hacía su aparición en cartelera. Significaba rentas y ventas en video, y mucho prestigio para el actor, actriz o miembro de la producción reconocido.

Dice el clásico que el futuro ya no es lo que era. Y el futuro alcanzó a la Academia, y el resultado no fue bonito.

La noche del domingo fue la versión de tu abuelito vistiéndose a la moda y visitando un antro para ligar chicas y demostrar que por él no han pasado los años. Quizá la imagen más significativa de ello, no hayan sido los lamentables anfitriones, sino un Kirk Douglas de 95 años, todavía lúcido, pero que apenas podía hablar después del derrame cerebral sufrido en 1996. Un poco de suspenso en una noche por demás predecible, bromeó, echó piropos a la Hathaway que se abanicó el rostro con fingido rubor. Esa es la Academia.

¿Alguien recuerda las entregas del Oscar hace quince años? Cuando todavía Billy Crystal conducía, y la primera fila del auditorio la ocupaban las verdaderas celebridades, como Jack Nicholson. A la entrega del domingo ni siquiera asistió el productor Scott Rudin y eso que tenía dos cintas “compitiendo” a mejor película. Consideró mejor uso de su tiempo quedarse en Nueva York a supervisar su siguiente filmación.

Muchos la llamaron predecible, pero las mejores quinielas (pensemos en Roger Ebert, o en el resto de los críticos de Chicago) no superaron los 14 aciertos. El problema es que a nadie le importa si el ganador de Mejor Corto Documental da la campanada, desde la victoria de Shakespeare apasionado sobre Rescatando al Soldado Ryan, no ha habido una verdadera vuelta de tuerca en las categorías relevantes.

En cualquier caso, podemos sintetizar algunas lecciones de la noche, si acaso para tratar de sacar algo de provecho de esas tres horas, además del feroz tuiteo que acompañó la ceremonia y puso los premios en el número uno de los temas tendencia de twitter.

1 – Si vas a renovar tus votos, hazlo en familia – Da pena imaginar por qué el director de la Academia consideró que era importante anunciar en plena ceremonia que reanudaría su contrato de transmisión exclusiva con la cadena ABC. Acompañado de la CEO de la cadena, hizo su anuncio y recibió un gigantesco bostezo mundial.

2 – Joven no siempre es sinónimo de fresco. El innovador dueto de anfitriones, demostró que la juventud también tiene su ingrediente de ingenuidad, inexperiencia y franca dejadez. Si algunos tuits pedían que se obligara a James Franco a contemplarnos tres horas sin intentar hacer algo, por momentos Hathaway demostró un irritante exceso de ganas por sonreír, cambiarse de ropa y hacer chistes bobos. Y eso nos lleva a…

3 – Los actores no son comediantes por default. Podrán pararse donde se les indica, decir sus líneas (y vaya líneas más tontas que tuvieron que decir), y harán lo mejor posible su parte. Especialmente si es en vivo, y frente a millones de personas. Si se busca chispa y frescura, se requiere alguien que esté ahí cómodo consigo mismo, no haciendo un papel. Cuando un holograma mal hecho de Bob Hope, dice las mejores líneas de la noche, algo va muy mal. Y eso nos lleva al siguiente punto…

4 – Si van a escribir así, mejor dejen improvisar. Temerosos después de los filosos comentarios de Ricky Gervais, los guionistas de la noche del oscar decidieron recurrir a su los chistes que les contaba su tía Edna. Nueva razón para tener en el escenario a alguien como Billy Crystal, o Steve Martin, Jon Stewart o vamos, hasta Ben Stiller. Cuando el bote se está hundiendo, de nada sirve que la orquesta siga tocando, aunque a James Camerón le diera muchos óscares.

5 – Usar al bateador emergente, si está en el estadio – Cuando Billy Crystal entró al escenario, el público lo recibió con un aplauso de pie. Como dice Craig Ferguson, no fue un emotivo reconocimiento por esa gran obra de la cinematografía mundial que es City Slickers 2. En realidad fue un aplauso de alivio: se acabó la broma, empieza la ceremonia en serio. Las cámaras no lo mostraron, pero más de un espectador se abandonó a las lágrimas cuando descubrió que Crystal estaba ahí sólo de visita. Era como Michael Jordan apareciendo dos minutos en un partido de la escuela de tus hijos, encestando tres canastas al hilo y despidiéndose. Ni los papás de Hathaway se emocionaron cuando se fue. Si alguien se hubiera puesto las pilas y extendido un cheque generoso, pero los directivos de la academia estaban brindando con los directivos de ABC.

6- La musiquita de los discursos. Vamos, cuando sube al escenario el diseñador de vestuario y recita hasta a sus maestras de kinder, vale la pena ponerle musiquita. Cuando el productor de la película ganadora quiere decir unas palabras, es más conveniente que la orquesta permanezca en silencio.

Quizá el tema de la musiquita debiera desaparecer del todo. O si no desaparecer, exportarse, por ejemplo a nuestro país. Donde podríamos tocar musiquita de “mejor cállese y vuelva a su sitio”a funcionarios como Ernesto Cordero antes de que nos explique cómo se paga una hipoteca, un auto y colegiaturas con seis mil pesos. O para políticos en busca de atención, en foros universitarios como Sócrates Rizzo. Empieza el señor a decir qué bien negociaban los presidentes del PRI con el narco, y le ponen su musiquita para que dé las gracias y se vaya a esgrimir su nostalgia a un sitio menos concurrido.

7 – La entrega del Oscar no es SNL – Si al final de Saturday Night Live se reúne el elenco en el escenario, se echa confetti, los anfitriones dan las gracias, la banda toca el tema del programa, y los actores se felicitan entre sí. Está muy bien. Pero no es para la academia, mucho menos si el tumulto de premiados, algunos de vuelta apuradamente desde el bar tras bambalinas para una toma final, es acompañado por un coro infantil cantando “Over the rainbow”. Al productor que tuvo esa linda idea, hay que mandarlo a organizar festivales del día de las madres, no entregas de la Academia de Hollywood.

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Para El Economista – Arte, ideas y gente, miércoles 2 de marzo del 2011

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Para los expertos, este año no hay vuelta de hoja. Es uno de esos febreros plácidos donde los momios coinciden con el sentido común, y se anticipa una de las temporadas más previsibles de entrega de premios de Hollywood. No importa si la película más nominada, y favorita, es británica o si la más taquillera fue ignorada en categorías importantes. Al final, la apuesta parece reducirse a uno de esos mano a mano que tanto han marcado la historia de la Academia: el feel-good movie (El discurso del rey) y la cinta que captura el zeitgeist (Red social), ¿realmente es así? Revisemos nuestra bola de cristal.

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PELÍCULA

Debería: Temple de acero o El cisne negro

Va: El discurso del rey

Sorpresa: Red social

La cinta con más nominaciones suele ser la favorita en esta categoría, más aún, cuando tendrá segura una de las categorías de actuación. El tema es si los votantes jóvenes de la academia superarán las preferencias de cientos de miembros que ya no salen de sus casas temiendo que les dé un aire. Es una categoría notable por premiar a las cintas más complacientes y bien intencionadas, y muy pocas veces a las más arriesgadas como El cisne negro. En cualquier caso, el respaldo de Red social no sólo es de la crítica, para muchos es la película que mejor define nuestro tiempo, y ahí tiene su mayor mérito.

Debieron nominar: El escritor fantasma y Shutter Island.

DIRECTOR

Debería: Darren Aronofsky por El cisne negro o Joel y Ethan Coen por Temple de acero

Va: David Fincher por Red Social

Sorpresa: Tom Hooper por El discurso del rey

Esta es una de las categorías complicadas. Aronofsky y los Coen hicieron las películas más personales de las cinco. Aunque los Coen ya ganaron (y por una cinta menor a la actual). Aronofsky está en la cima de su juego y talento. Tom Hooper ganó el premio del gremio de directores y ese en un 90% es una garantía de Oscar, pero Fincher en su segunda nominación consecutiva, invita a la academia a dividir su voto entre película y director, y en un año tan competido, bien puede ser el resultado.

Debieron nominar: A Christopher Nolan (El origen), Roman Polanski (El escritor fantasma), Martin Scorsese (Shutter Island) y Ben Affleck (The Town).

ACTOR

Debería y va: Colin Firth por El discurso del rey

Sorpresa: Cualquier otro.

Cuando un actor reconocido, que nunca ha ganado Oscar, y va en su segunda nominación con la película favorita de la noche, es lo más cercano a “apuesta segura” que puede ser un Oscar.

Debieron nominar: A Leonardo DiCaprio por El origen o Shutter Island.

ACTRIZ

Debería y va: Natalie Portman por Cisne Negro

Sorpresa: Ni para qué perder el tiempo anotándola.

Portman deslumbra como Nina Sayers, el tipo de papel que implica un compromiso físico y mental que suele hacer las delicias de los votantes de la academia. Además, con toda su intensidad, tiene la gran virtud de nunca dejar ver que está actuando. Hay quien insiste en mencionar que Michelle Williams puede dar la campanada, pero no hay mucho sustento en la especulación.

ACTOR DE SOPORTE

Debería y va: Christian Bale por El Peleador.

Sorpresa: Geoffrey Rush por El discurso del rey.

Todos en esta categoría están impresionantes. Es cuestión simplemente de quién ya lo ganó (Rush), y a quién se lo deben desde hace rato (Bale). Aunque no debería sorprendernos que en este mano a mano de actores ingleses, se colara Jeremy Renner.

ACTRIZ DE SOPORTE

Debería y va: Hailee Steinfeld por Temple de acero.

Sorpresa: Amy Adams por El Peleador.

Aunque se cantaba anticipadamente la victoria de Melissa Leo, y ganó el Globo de Oro en esta categoría, hay que decir que Steinfeld, en su debut, carga en sus hombros la película; y que fue injustamente nominada en esta categoría cuando su papel es más bien protagónico. Adams, por otra parte, es una consistente y talentosa favorita de la Academia desde hace varios años y algunos votantes considerarán que ya le toca.

GUIÓN ORIGINAL

Debería: El origen

Va: El discurso del rey

Sorpresa: Los chicos están bien

En un mundo perfecto, ganaría Christopher Nolan, por su audaz y complejo guión para El origen, y así lo reconoció su gremio. Si se tratara de premiar un trabajo sólido, redondo y casi exportable al teatro, ganaría Mike Leigh. Pero el peso de una cinta con mensaje positivo y conmovedor suele ser mayor en la academia.

GUIÓN ADAPTADO

Debería y va: Red Social

Posiblemente su único premio seguro de la noche para la cinta inspirada en el origen de Facebook. Entre las contendientes no hay mucho de adaptación como de inspiración en el material original, y los ácidos e inteligentes diálogos de Aaron Sorkin llevarán la justa recompensa.

PELÍCULA ANIMADA

Debería y va: Toy Story 3, cualquier otra apuesta es un salto al vacío.

DIRECCIÓN DE ARTE

Debería: El origen

Va: Alice in Wonderland

Cuando hablamos de la puesta escénica y escenográfica para construir el trasfondo visual y consolidar el mundo que es cada película, la dirección de arte juega un papel relevante. Mientras los votantes pueden deslumbrarse por el despliegue de color de la cinta de Tim Burton, no habría que olvidar los niveles oníricos de El origen.

CINEMATOGRAFÍA

Debería y va: Roger Deakins lleva más de una década regalándonos con su talento visual. La academia nunca lo ha premiado. Encima de ello, Temple de acero es uno de sus mejores trabajos. Deslumbrante en su fotografía nocturna como en la profundidad de sus paisajes en el viejo oeste.

Sorpresa: No se puede descartar el valiente y arriesgado trabajo de Matthew Libatique en Cisne Negro, bien pudiera dejar a Deakins esperando un año más.

VESTUARIO

Debería y va: Alicia en Wonderland Tim Burton y su despliegue visual que opacará a los otros competidores.

Sorpresa: El discurso del rey por su sobria elegancia, pero sí que sería una sorpresa.

DOCUMENTAL

Debería: Restrepo

Va: Inside Job

La primera reconstruye un año de vida en un desolado puesto de control en Afganistán, y la segunda es una fuerte denuncia a la viciosa corrupción financiera de Wall Street. Inside Job, además se ganó el premio del gremio de productores.

EDICIÓN

Debería y va: El complejo montaje de reuniones, discusiones y declaraciones judiciales que conforma Red social, uno de los trabajos más deslumbrantes de narrativa cinematográfica para construir una historia compleja.

Sorpresa: 127 horas, que se las arregla para crear tensión y ritmo en un escenario casi estático.

PELÍCULA EXTRANJERA

Una de las categorías más complicadas de la noche, porque obliga a quien quiera votar a ver las cinco películas nominadas. El triunfo será de Sussane Bier y su In a better world para Dinamarca, aunque la canadiense Incendios de Denis Villeneuve no va muy atrás en los conteos. Para González Iñárritu, el desfile en la alfombra roja será todo, este año.

MAQUILLAJE

Mientras la lógica indica que el hombre lobo del multipremiado Rick Baker vaya aullar con la estatuilla rumbo a casa, me quedo con el sutil envejecimiento de Paul Giamatti en Barney’s version a manos de Adrien Morot.

MÚSICA ORIGINAL

Dividida entre la crítica entre la partitura memorable y un poco melosa de Alexander Desplat para El discurso del rey, y la subliminal electrónica de Tren Reznor y Atticus Ross en Red Social. Mi voto sería para Hans Zimmer y su sobrecogedora y memorable partitura para El origen, pero al final, es una categoría donde los votantes recordarán lo último que escucharon, y en ese tenor la que mejor acompaña su película es la de Reznor y Ross.

CANCIÓN ORIGINAL

Va: “If I rise” de 127 horas interpretada por Dido.

Sorpresa: Randy Newman y su enésima (bueno en realidad tercera) versión memorable de la amistad entre juguetes y niños. “We belong together” para Toy Story 3.

EDICIÓN DE SONIDO y MEZCLA SONORA

Deberían y van: A nadie sorprenda el dominio de la película de Christopher Nolan en las categorías técnicas. Darkknight returns arrasó hace dos años, y ahora El origen recibirá su justo reconocimiento. Ni siquiera el trabajo fino de Temple de acero o el montaje de conversaciones de Red Social tienen mucho que hacer.

EFECTOS VISUALES

Debería y va: El origen y la ciudad doblándose sobre sí misma. Muchos votantes se perdieron entre el segundo y tercer niveles de los sueños, pero visualmente, no dejó lugar a dudas.

CORTOMETRAJES

Estas categorías suelen ser el volado de la mayoría de las quinielas, pero en la era de internet, no son tan oscuras como solían serlo. A quien le interese puede ver fragmentos de los cortos nominados aquí.

ANIMADO

Todos vimos la ingeniosa Day & Night como entrada de Toy Story 3, pero es la aventura de una ardilla buscando alimento en un bosque lleno de depredadores The Gruffalo, la que se lleva mi voto. No descartemos, eso sí, la deliciosa ironía ecologista de let’s pollute.

DOCUMENTAL

Killing in the name, un documental sobre un joven musulmán que cuestiona la ideología que llevó a un terrorista suicida a matar 27 personas en su boda. Es duro, impactante y de extraordinaria pertinencia.

FICCIÓN

La academia suele favorecer cortos con fuerte mensaje social, de ahí que Na Wewe, este duro corto belga sobre la guerra civil en Burundi sea el favorito. Sin descartar The wish 143, el conmovedor relato de formación sobre un chico con cáncer.

Para El Economista – Arte, ideas y gente – jueves 24 de febrero del 2011

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Los sucesos se dieron así: tres candidatos a un puesto de elección directa. En cuanto se anunciaron los tiempos de campaña, cada candidato formó su equipo de trabajo, empezó una guerra sucia que incluyó golpes bajos, ataques a sus rivales, gestos de buena voluntad, compra de votos, promesas fáciles a los votantes, arreglos cupulares. Un debate lleno de descalificaciones y discursos que no podrían llamarse sino populistas. Una elección que parecía cerrada entre dos candidatos, seguida de una amplia victoria de uno de ellos.

No estamos hablando de las elecciones del domingo en el estado de Guerrero, sino de un experimento tornado en una película documental asombrosa. Se trata de la multipremiada Please vote for me del cineasta Weijun Chen.

El escenario es una escuela primaria en la ciudad de Wuhan en el centro de China. En el salón de tercero, se convoca una elección democrática, voto directo de los niños para elegir el monitor de clase. Un puesto un tanto codiciado, porque el monitor es quién supervisa, vigila y hasta disciplina a sus compañeros.

Los niños candidatos nunca habían oído de un proceso democrático. Ni ellos, ni sus padres o familiares han emitido su voto en circunstancia alguna. Es el terreno virgen perfecto para un experimento social que termina diciendo mucho sobre lo que están dispuestos a hacer los seres humanos cuando hay una posición de poder en juego.

No terminaba la maestra de anunciar que se votaría y cómo, cuando uno de los candidatos ya estaba conspirando con un compañerito para abuchear a la chica contrincante en cuanto pasara al frente a realizar una demostración de talento. El niño quería ganar como fuera, y empezó a prometer a sus amigos que serían sus asistentes, a manipular a su otro contrincante para que se declarara culpable del abucheo, a correr la voz de que aquel sería mal monitor porque golpea mucho.

Pronto los padres se involucran como suerte de asesores de imagen, y aconsejan a los pequeños sobre cómo responder en el debate, qué actitud tomar, cómo descalificar al otro, regalar golosinas, dar explicaciones razonables a las críticas en su contra. La campaña dura tres días, pero en algunos momentos se respira la tensión.

Por un momento se nos podría olvidar que no hay estructuras partidarias, ni presupuesto, grupos de intereses, violencia política, medios o carreras en juego. Y a pesar de ello, el comportamiento de estos también adorables chamacos no es distinto del de nuestros políticos.

¿Es un defecto intrínseco a los seres humanos y la democracia? ¿Valerse de lo que sea para ganar una elección? ¿Está en nuestra naturaleza jugar limpio? ¿Reconocer la derrota?

“Bueno, obviamente, una felicitación a nuestros rivales por su triunfo. Nos quitamos el sombrero, fue una recuperación asombrosa, se la ganaron. Una decepción para nosotros, pero ninguna sorpresa porque nuestros encuentros suelen ser reñidos. Estoy orgulloso de nuestra lucha, agradecido por la oportunidad de participar, de competir, ser parte de estos momentos. Todo lo que puede uno hacer en la vida es aspirar a ser grande, nosotros lo hicimos todo el año. No fuimos grandiosos hoy, pero no nos desmotiva. Estaremos de vuelta realmente pronto.”

Las palabras no son las del candidato priista derrotado en Guerrero (por supuesto). Al contrario, conforme se conocían los primeros resultados, Manuel Añorve reunió a su familia, convocó a la prensa y cantó su victoria en los comicios del domingo. Horas después los números lo contradijeron en forma contundente, pero ya era demasiado tarde para echarse para atrás, por lo que se declaró inconforme, negó el resultado y dijo que impugnaría.

La cita es de John Harbaugh, coach de los Ravens de Baltimore después de su derrota en los juegos divisionales de la NFL frente a los Steelers. Las primeras palabras que dijo a la prensa, nada distintas de las que dijeron sus propios jugadores cuando llegó su turno. Estamos hablando de una de las mayores rivalidades del futbol americano profesional, en un juego de postemporada. Y sin embargo, sus palabras son un ejemplo no sólo de un buen perdedor, sino de el espíritu mismo de la competencia, sea esta deportiva o electoral.

Es muy distinto a las palabras de nuestros jugadores de balompié, o sus entrenadores: los lamentos de los derrotados, las acusaciones al arbitraje, al clima, la mala suerte, el estilo agresivo, defensivo o violento del rival que los venció a la mala en la cancha.

La democracia es competitiva por naturaleza. Siempre habrá un vencedor y un derrotado. Los candidatos que participan lo saben (o deberían saberlo). Si en el centro mismo de uno de los países más autoritarios del planeta, un ejercicio electoral reproduce la mayoría de los vicios de nuestra cultura democrática, cabe preguntarse si la mentadísima transición a la democracia no tiene una falla de origen en la cimentación autoritaria de nuestra mentalidad como nación.

No deberíamos asustarnos por la animadversión, por la contienda, por el debate, la disparidad de ideas y de modelos. Lo que sí preocupa es la visión del adversario como enemigo, y la incapacidad para reconocer las derrotas, replantear las ideas y las estrategias y prepararse para la próxima. Mientras el círculo democrático completo no se cumpla, de poco sirve que el día de la elección sea una “fiesta” como le gusta decir a Peña Nieto.

Quienes no admiten su derrota no aprenden de sus errores. No son capaces de reinventarse, de cambiar de opinión, de ofrecer cosas distintas. Se amarran en la mala leche de la campaña hacia interminables conflictos postelectorales que llevan a nuevas campañas iguales o peores.

El día que nuestros políticos sean capaces de llamar al rival para felicitarlo, alzarle el brazo y decirle nos vemos en la próxima en lugar de nos vemos en el tribunal, habrán encontrado no sólo la madurez, sino también habremos entendido de qué se trata la democracia, y la transición interminable llegará a su fin.

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Para El Economista – Arte, ideas y gente – miércoles 2 de febrero del 2011

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